Medea danza al Teatro Romano in prima nazionale

Dopo il celebrato Zorba il Greco del 1988 in Arena, Medea di Mikis Theodorakis, seconda apparizione del compositore greco in terra veronese, ha visto il suo esordio nazionale fra le pietre di un altro sito grondante storia: il Teatro Romano. Grande pagina, questa Medea, che sembra apparire al compositore come l’ultimo capitolo possibile per guardare all’antichità classica e una chiamata a porsi di fronte al grande retaggio della tragedia greca, nonché a reinventarne la fruizione come teatro attuale, recuperato alla sua matrice culturale e insieme profondamente legato alla storia.
Per essa, Thedorakis sembra definire una specifica dimensione di canto e suono, partendo dalla salmodia sacra più arcaica e poggiandola su un vasto tappeto di sonorità, prodotto da un ingente parco di strumenti e di cori. La svolge con esiti di impassibile eppur alta tragicità, con una perfezione formale quasi assoluta, con una durezza spesso granitica di linguaggio, che pure generano continuamente un’onda maestosa di nobilissima pietas. Ma è soprattutto impressionante il senso di progress tragico che pervade impercettibilmente e implacabilmente tutta la tragedia, vista a ritroso come un racconto già vissuto, sino a che la catastrofe e la catarsi finale finiscono per pararsi innanzi come il repentino, inevitabile cadere di un sipario.
Renato Zanella, pur riducendo il testo a una accettabile esecuzione temporale (90 minuti), si avvicina agli archetipi del repertorio ballettistico o letterario con una curiosità umana che sviscera le dinamiche psicologiche e sentimentali. Va alla ricerca delle verità dei personaggi e del loro sviluppo emotivo, ne coglie in pieno la dimensione intima, creando una coreografia che afferma con vigore la sua forte personalità d’artista navigato a ogni tipo di danza.
I suoi «ragazzi» del corpo di ballo areniano, sul palcoscenico, gli danno una consistente mano per svolgere al meglio l’affascinante pagina, non indugiando talvolta su belle immagini plastiche e atmosfere poetiche, che sembrano la loro forza. Tutto in questo balletto – dai singoli passi, al loro accurato intreccio, ai colorati e stilizzati costumi moderni (sono dello stesso Zanella), ma di vago sapore greco-antico – indica la volontà di riferirsi a un’ autentica, innovativa dimensione di contemporaneità, che ha una sua genuina vitalità.
Teresa Strisciulli è una Medea in forma smagliante, concentratissima, dal solido bagaglio tecnico, una bella linea di gambe, piedi felici a esaltare l’impresa e contribuire a migliorare la tenuta drammaturgica dell’insieme. Non sono da meno la Glauce di Scilla Cattafesta (dallo splendido corpo avvolto d’oro) e il Giasone di Antonio Russo: danzano con non poca autorevolezza, come trascendendo l’elemento esibizionistico del virtuosismo. Tutti gli uomini indossano agli inizi una maschera d’oro, compreso l’Egeo di Evghenij Kurstev e il Creonte di Pietro Occhio, che hanno poi doti caratteristiche tecniche e interpretative insospettabili. In palla anche i tre messaggeri Marco Fagioli, Ivan Piccioli e Massimo Schettini, con la corifea Sofia Pintzou (unica danzatrice ospite) che inizia il racconto partendo dalla platea con un enorme vaso sacrificale – e le varie donne di Corinto. La scena non è affatto spogli: un pontile bianco rappresenta il palazzo di Creonte, una barca sull’arenile e una sedia bianca raffigurano la casa. Le luci (sempre di Renato Zanella), blu e grigio-biancastre sono lì a disegnare un clima marino in palcoscenico. L’impercettibile è a volte d’uopo. Ma si tratta di pochi momenti e subito ti invade un’ondata di movimento, di cui Zanella possiede il segreto, il piacere di una danza solare che ritorna molto presto. Buona la presenza del pubblico e caloroso il suo sostegno nell’applauso.